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2026年10月1日
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服は生地からできている

  • 白いシャツを、黒く染めた。<br>フォーマルウェアの古着感という矛盾を設計すること。

    白いシャツを、黒く染めた。
    フォーマルウェアの古着感という矛盾を設計すること。

    古着屋で見かけることがある。フォーマルなシャツが、くたびれた雰囲気で棚に並んでいる。結婚式に着てくような白いシャツが、長年の使用によって少し違う表情を持つようになったもの。それが不思議と、かっこよく見えることがある。 木村はずっとその感覚が頭にあった。フォーマルウェアが時間をかけてカジュアルに変化していく、その過程にある面白さ。 ただ、その雰囲気を「新品で作る」とはどういうことか。木村の答えは、リアルに再現することではなかった。古着の色落ちをそのまま模倣するのではなく、別の出発点から、同じ雰囲気に辿り着く。そこに木村が面白いと思う理由がある。 夏場にかけて上品な雰囲気を意識してたアイテムを出してきたが、ここから少し崩し始める。その起点として選ばれたのが、フォーマルとカジュアルが混在するこのシャツだった。 フォーマルウェアの古着感。矛盾しているように聞こえる。でもその矛盾こそが木村のアイデアの独自性なのである。   -今回のシャツには、ストーリーが設計されているそうですね。 木村：そうですね。自分の中でのストーリーとしては、 「もともとパーティーに行ったり、結婚式で着るために買った白いシャツがあって。もう着る出番がなくなってしまった。でも捨てるのは忍びないし、どうしようと思って、一度自分で染めて普段着として着られるように黒にしてみようと思ったら、それが失敗した。」 そんな雰囲気をこのシャツに設計しています。 なので、黒が綺麗に均一に染まっているのではなくて、自分で染めたことによってムラになってしまって、うまく染まらなかったという雰囲気を作っている。そのパッカリングだったりムラ感という表情が、このシャツの特徴になってきます。   -古着の色落ちとは逆の発想だと聞きました。 木村：古着が着こまれてどんどん色が褪せていくのに対して、これは色を乗せたけど失敗してしまったという感じでムラ感を作っています。 パッと見は分からないと思うんですけど、色が落ちてムラ感が出た古着の雰囲気を、逆に色を染めるときの工夫で表現している所に自分の小さいこだわりがあります。あえて均一に染めないテクニックを使っているんですが、それは簡単ではなくて、コントロールも難しい。 ヴィンテージ感を出すのによく使われる色の落ちやすい染料ではなく、あえて一般的な色の定着しやすい染料で染めている。それを綺麗に染まらないように、機械を使ってはいるんですが、職人にコントロールしてもらってます。 手間のかかる作業ではあるんですけど、それによって1点1点ムラの出方も若干個体差がでて、狙った雰囲気になりました。   -それはリアルに古着を再現しようということとは違うんですか？ 木村：見た目は変わらないかもしれません。ただ、前回のオーダーのデニムでいえば、リメイクに見えるけど実は刺繍だったというのと、考え方としては同じところにある。 古着で色が褪せたように見えるけど、実はその逆で染めが失敗した雰囲気の中で、ただ着た時の定義としてはちょっと古着っぽいシャツだなってなる。 小さいこだわりとしては染めが失敗したというようなストーリーであったりとか、何かカジュアルなものの中に少しフォーマルっぽい要素を入れるとか、フォーマルっぽい見え方をするんだけど着た時に何かカジュアル感があるなというような、着る人や合わせるものによって雰囲気が変わるっていうのは、自分の中でよく考えることです。   -フォーマルっぽい要素というのは？ 木村：ジャケットを作った時と考え方は一緒です。 自分の中ではラペルが付いていればジャケットでしょっていうのと一緒で、ウィングカラーのシャツ＝フォーマルでしょというような。そういうところが面白いと思っていて。 ウィングカラーというのは立ち衿の先に小さな羽のような折り返しがついた形状で、本来であれば蝶ネクタイをしたり、フォーマルな時に用いられるものです。それを入れることによって形はフォーマルな感じではあるんだけど、それ以外の素材と染めのテクニックで、ラフで力の抜けたような雰囲気というのを作っている。 自分が考えたストーリーを設計するにあたって、元のシャツがフォーマルなものだったという文脈が必要で。その文脈を衿一つで担保している。素材と染めはラフな方向に振りながら、衿だけがフォーマルの名残として残っている。それがこのシャツの面白さだと思っています。   -直近で出していたアイテムと少し雰囲気が違う...

    白いシャツを、黒く染めた。
    フォーマルウェアの古着感という矛盾を設計すること。

    古着屋で見かけることがある。フォーマルなシャツが、くたびれた雰囲気で棚に並んでいる。結婚式に着てくような白いシャツが、長年の使用によって少し違う表情を持つようになったもの。それが不思議と、かっこよく見えることがある。 木村はずっとその感覚が頭にあった。フォーマルウェアが時間をかけてカジュアルに変化していく、その過程にある面白さ。 ただ、その雰囲気を「新品で作る」とはどういうことか。木村の答えは、リアルに再現することではなかった。古着の色落ちをそのまま模倣するのではなく、別の出発点から、同じ雰囲気に辿り着く。そこに木村が面白いと思う理由がある。 夏場にかけて上品な雰囲気を意識してたアイテムを出してきたが、ここから少し崩し始める。その起点として選ばれたのが、フォーマルとカジュアルが混在するこのシャツだった。 フォーマルウェアの古着感。矛盾しているように聞こえる。でもその矛盾こそが木村のアイデアの独自性なのである。   -今回のシャツには、ストーリーが設計されているそうですね。 木村：そうですね。自分の中でのストーリーとしては、 「もともとパーティーに行ったり、結婚式で着るために買った白いシャツがあって。もう着る出番がなくなってしまった。でも捨てるのは忍びないし、どうしようと思って、一度自分で染めて普段着として着られるように黒にしてみようと思ったら、それが失敗した。」 そんな雰囲気をこのシャツに設計しています。 なので、黒が綺麗に均一に染まっているのではなくて、自分で染めたことによってムラになってしまって、うまく染まらなかったという雰囲気を作っている。そのパッカリングだったりムラ感という表情が、このシャツの特徴になってきます。   -古着の色落ちとは逆の発想だと聞きました。 木村：古着が着こまれてどんどん色が褪せていくのに対して、これは色を乗せたけど失敗してしまったという感じでムラ感を作っています。 パッと見は分からないと思うんですけど、色が落ちてムラ感が出た古着の雰囲気を、逆に色を染めるときの工夫で表現している所に自分の小さいこだわりがあります。あえて均一に染めないテクニックを使っているんですが、それは簡単ではなくて、コントロールも難しい。 ヴィンテージ感を出すのによく使われる色の落ちやすい染料ではなく、あえて一般的な色の定着しやすい染料で染めている。それを綺麗に染まらないように、機械を使ってはいるんですが、職人にコントロールしてもらってます。 手間のかかる作業ではあるんですけど、それによって1点1点ムラの出方も若干個体差がでて、狙った雰囲気になりました。   -それはリアルに古着を再現しようということとは違うんですか？ 木村：見た目は変わらないかもしれません。ただ、前回のオーダーのデニムでいえば、リメイクに見えるけど実は刺繍だったというのと、考え方としては同じところにある。 古着で色が褪せたように見えるけど、実はその逆で染めが失敗した雰囲気の中で、ただ着た時の定義としてはちょっと古着っぽいシャツだなってなる。 小さいこだわりとしては染めが失敗したというようなストーリーであったりとか、何かカジュアルなものの中に少しフォーマルっぽい要素を入れるとか、フォーマルっぽい見え方をするんだけど着た時に何かカジュアル感があるなというような、着る人や合わせるものによって雰囲気が変わるっていうのは、自分の中でよく考えることです。   -フォーマルっぽい要素というのは？ 木村：ジャケットを作った時と考え方は一緒です。 自分の中ではラペルが付いていればジャケットでしょっていうのと一緒で、ウィングカラーのシャツ＝フォーマルでしょというような。そういうところが面白いと思っていて。 ウィングカラーというのは立ち衿の先に小さな羽のような折り返しがついた形状で、本来であれば蝶ネクタイをしたり、フォーマルな時に用いられるものです。それを入れることによって形はフォーマルな感じではあるんだけど、それ以外の素材と染めのテクニックで、ラフで力の抜けたような雰囲気というのを作っている。 自分が考えたストーリーを設計するにあたって、元のシャツがフォーマルなものだったという文脈が必要で。その文脈を衿一つで担保している。素材と染めはラフな方向に振りながら、衿だけがフォーマルの名残として残っている。それがこのシャツの面白さだと思っています。   -直近で出していたアイテムと少し雰囲気が違う...

  • 「服は生地からできている」ということ。mù_の洋服の根っこにある、生地を化けさせるという仕事。 | mù_

    「服は生地からできている」ということ。
    mù_の洋服の根っこにある、生地を化けさせるという仕事。

    言葉にしてしまえば当たり前のことだ。服は、生地がなければ生まれない。けれど作り手ですら、その当たり前を忘れてしまうことがある。 mù_が掲げる「服は生地からできている」というコンセプトには、そんな思いが込められている。 デザインより先に、生地と向き合う。木村にとって、それはどういうことなのか。改めて聞いた。   -改めて、「服は生地からできている」という言葉に込めた思いを教えてください。 木村：言葉だけで言えば当たり前のことなんです。でも洋服が多様化していく中で、着る人も、作る人も、意外とそこを忘れてしまっている。 服は縫製されて初めて洋服になりますが、そもそも生地がなければ何も始まらない。それは料理人が食材にこだわるのと同じで、僕にとって生地は洋服のスタートであり、一番の核になる部分なんです。 服という表面だけを見せるのではなく、その裏にある生地にもっとフォーカスされるべきだと思っている。いい洋服は、いい生地から成り立っている。その考え方を表現したいんです。   -デザインから発想するのではなく、生地から発想するということですか？ 木村：両方あります。純粋に生地からスタートする場合もあれば、こういうものを作りたいというイメージが先にあって、そこに生地を当てていく場合もある。 ただ、デザインから入って理想の生地を探すのは、実はすごく難しい。理想は頭の中にしかないので、なかなか見つからないんです。結果的に、生地屋さんと話しながら一緒に作った方が早い。 だから「このデザインを作りたいから生地を探す」よりも、「この生地を見つけたから、これで何が作れるか」という発想の方が自分には多い。どちらにしても、入り口に生地がないと始まらないという点では同じです。   -「服は生地からできている」と聞くと、上質な生地を使っているというイメージを持たれると思いますが、木村さんのアプローチは少し違うように感じます。 木村：そうなんです。いい生地の定義自体、実はすごく難しくて。 単純に高級な生地を使えばいいという感覚ではないんです。例えば自分は古着が好きで、昔のワークウェアのかっこよさに惹かれてきましたが、あれは決して上質な生地を使っているわけではない。作業着として安価な生地を使って、それが長年の使用によって味が出てかっこよくなっていったものです。 高級な生地を使えば、ある程度のクオリティは担保されます。でも安価な生地の中にある美学、高級感とは違うかっこよさを引き出そうとすると、上質で光沢のある生地だけではそれは出てこない。 だから、高級な生地であっても、リーズナブルな生地であっても、それをどう加工したら化けるか、どういうデザインにしたらそのポテンシャルが引き出せるか。長年やってきた自分なりのレシピを、足し算引き算しながら考えることの方が重要なんです。   -まさに料理と同じ発想ですね。 木村：本当にそうだと思います。経験値の浅い人は、高級な食材を使ってもそこまで引き出せない。逆に、安い食材を高級料理に化けさせられるかどうかは、シェフの経験値と技量です。自分がやることで、みんなが見ている生地とは違う見え方をさせられるんじゃないか。そこに、自分にしかできないモノづくりがあると思っています。   -その「化けさせる」ということを、実際の服作りではどう体現しているんでしょうか。 木村：今年の夏に発売したTシャツで言うと、新作のMELLOW HEAVY OUNCE Tとブランドローンチの時に発売して完売になっていたSHORT SLEEVE LOGO...

    「服は生地からできている」ということ。
    mù_の洋服の根っこにある、生地を化けさせるという仕事。

    言葉にしてしまえば当たり前のことだ。服は、生地がなければ生まれない。けれど作り手ですら、その当たり前を忘れてしまうことがある。 mù_が掲げる「服は生地からできている」というコンセプトには、そんな思いが込められている。 デザインより先に、生地と向き合う。木村にとって、それはどういうことなのか。改めて聞いた。   -改めて、「服は生地からできている」という言葉に込めた思いを教えてください。 木村：言葉だけで言えば当たり前のことなんです。でも洋服が多様化していく中で、着る人も、作る人も、意外とそこを忘れてしまっている。 服は縫製されて初めて洋服になりますが、そもそも生地がなければ何も始まらない。それは料理人が食材にこだわるのと同じで、僕にとって生地は洋服のスタートであり、一番の核になる部分なんです。 服という表面だけを見せるのではなく、その裏にある生地にもっとフォーカスされるべきだと思っている。いい洋服は、いい生地から成り立っている。その考え方を表現したいんです。   -デザインから発想するのではなく、生地から発想するということですか？ 木村：両方あります。純粋に生地からスタートする場合もあれば、こういうものを作りたいというイメージが先にあって、そこに生地を当てていく場合もある。 ただ、デザインから入って理想の生地を探すのは、実はすごく難しい。理想は頭の中にしかないので、なかなか見つからないんです。結果的に、生地屋さんと話しながら一緒に作った方が早い。 だから「このデザインを作りたいから生地を探す」よりも、「この生地を見つけたから、これで何が作れるか」という発想の方が自分には多い。どちらにしても、入り口に生地がないと始まらないという点では同じです。   -「服は生地からできている」と聞くと、上質な生地を使っているというイメージを持たれると思いますが、木村さんのアプローチは少し違うように感じます。 木村：そうなんです。いい生地の定義自体、実はすごく難しくて。 単純に高級な生地を使えばいいという感覚ではないんです。例えば自分は古着が好きで、昔のワークウェアのかっこよさに惹かれてきましたが、あれは決して上質な生地を使っているわけではない。作業着として安価な生地を使って、それが長年の使用によって味が出てかっこよくなっていったものです。 高級な生地を使えば、ある程度のクオリティは担保されます。でも安価な生地の中にある美学、高級感とは違うかっこよさを引き出そうとすると、上質で光沢のある生地だけではそれは出てこない。 だから、高級な生地であっても、リーズナブルな生地であっても、それをどう加工したら化けるか、どういうデザインにしたらそのポテンシャルが引き出せるか。長年やってきた自分なりのレシピを、足し算引き算しながら考えることの方が重要なんです。   -まさに料理と同じ発想ですね。 木村：本当にそうだと思います。経験値の浅い人は、高級な食材を使ってもそこまで引き出せない。逆に、安い食材を高級料理に化けさせられるかどうかは、シェフの経験値と技量です。自分がやることで、みんなが見ている生地とは違う見え方をさせられるんじゃないか。そこに、自分にしかできないモノづくりがあると思っています。   -その「化けさせる」ということを、実際の服作りではどう体現しているんでしょうか。 木村：今年の夏に発売したTシャツで言うと、新作のMELLOW HEAVY OUNCE Tとブランドローンチの時に発売して完売になっていたSHORT SLEEVE LOGO...

  • 創作の原点-「手で描く」こと、その余白にあるもの。 | mù_

    創作の原点
    -「手で描く」こと、その余白にあるもの。

    幼い頃から、木村は自然と絵を描いていた。特別に習ったわけでも、意識していたわけでもない。ただ、好きだから描いていた。それが木村の創作の原点だ。 子供の視点だっからこそ描けた絵は、今でも実家に飾ってある。同じものはもう二度と描けない。だが今は、これまで触れてきた様々なものによって形作られた自分の感覚から、生み出される表現がある。自分が好きな時に、好きなものを描く。だからそれは、その時の木村にしか描けないものになる。 もともとギャラリースペースだった店舗の壁に飾られる絵は、すべて黒いペン一本で描かれている。そのモノトーンの佇まいには、見る人の感性によって受け止め方が変わるような余白がある。その余白こそが木村自身がアートを楽しむ感覚であり、mù_の洋服が持つ自由さと、自然と重なっていく。   -アート作品の発売に至った経緯を教えてください。 木村：今の店舗は、以前ギャラリーとして使われていた物件なんです。その場所の歴史を活かしたくて、もともと壁にあった穴や額縁を飾るための線もあえてそのまま残して使っています。 最初はデザイン画や落書き、コピー用紙に描いたイラストを飾っていただけで。でも、それを見た海外のお客様や若いカップルから「描いた人に会いたい」「この絵を譲ってほしい」という声をいただいて。 服以外のクリエイティブにも興味を持ってくださる方がいるなら、ちゃんと描いたものを届けたいと思い、本格的に描き始めたのがきっかけです。   -昔から絵を描くが好きだったんですか？ 木村：幼稚園の頃から大好きでした。小学校の時に大阪府知事賞をもらったことがあって。 美術の専門的な勉強はしていないんですが、独学だからこそセオリーに縛られず、自由に描けるという面があると思っています。 絵を描くことが自分の創作の原点で、もし絵が好きでなければ今の仕事もしていなかったかもしれないですね。   -手で描くことにこだわっている理由は？ 木村：デザインも手書きから始めるんですけど、手で描くという作業は自分の創作においてすごく重要で。 デジタルだと脳で想像したものがツールを介して綺麗に処理されすぎてしまって、微妙なニュアンスが薄れてしまう気がするんです。手書きのほうが、脳から手への伝達がダイレクトな気がしていて。例えば、服のデザインで柔らかさや質感を出したいとき、線の引き方ひとつに込める思いが、手書きのほうがそのまま出てくる感じがします。   -影響を受けたアーティストはいますか？ 木村：ジェイミー・リードがすごく好きで、シリアルナンバー入りの作品を持ってるくらい。セックス・ピストルズのアートワークで知られている人ですけど、1970年代のパンクスピリットにある、世の中に対する皮肉やジョーク、既成概念を崩すような表現にずっと共感していて。単に綺麗で正しいものよりも、どこかひねりがあったり、一見グロテスクなものをかっこよく見せたりする世界観が好きなんです。 そういうものに触れてきたことが、今の自分の感覚を作っているひとつだと思います。   -作品作りで意識していることはありますか？ 木村：展示では、一人の人間が描いたように見えないことを意識しています。リアルなタッチもあればアニメ調もあって、まるで多重人格者がそれぞれ描いた集合展のような多様性を出したいと思っていて。ただ、全部その時の自分の頭の中から出てきたものなので、集めてみると案外ひとつに繋がっていたりします。 描きたいものを描くというのが一番の基本で、打算的なものが入ると自分が伝えたいものとは違うものができてしまう。自分のスニーカーに落書きするような感覚と基本的には同じです。   -白黒のペンにこだわっている理由は？ 木村：見ている人に自由に想像してほしいから、というのが一番の理由です。 服作りにおける余白を残すという考えと同じで、色をつけてしまうとみる人の想像がそこに誘導されてしまう。モノクロにすることで、見る人それぞれが自分の好きな色を想像して、パーソナルな感覚で受け取ってくれたらいいなと。 自分がアートを見るときも、説明を読む前にまず自分で想像して、その後に背景を調べて答え合わせをするような見方をしているので、自分が作る絵もそうあってほしいという感じですね。...

    創作の原点
    -「手で描く」こと、その余白にあるもの。

    幼い頃から、木村は自然と絵を描いていた。特別に習ったわけでも、意識していたわけでもない。ただ、好きだから描いていた。それが木村の創作の原点だ。 子供の視点だっからこそ描けた絵は、今でも実家に飾ってある。同じものはもう二度と描けない。だが今は、これまで触れてきた様々なものによって形作られた自分の感覚から、生み出される表現がある。自分が好きな時に、好きなものを描く。だからそれは、その時の木村にしか描けないものになる。 もともとギャラリースペースだった店舗の壁に飾られる絵は、すべて黒いペン一本で描かれている。そのモノトーンの佇まいには、見る人の感性によって受け止め方が変わるような余白がある。その余白こそが木村自身がアートを楽しむ感覚であり、mù_の洋服が持つ自由さと、自然と重なっていく。   -アート作品の発売に至った経緯を教えてください。 木村：今の店舗は、以前ギャラリーとして使われていた物件なんです。その場所の歴史を活かしたくて、もともと壁にあった穴や額縁を飾るための線もあえてそのまま残して使っています。 最初はデザイン画や落書き、コピー用紙に描いたイラストを飾っていただけで。でも、それを見た海外のお客様や若いカップルから「描いた人に会いたい」「この絵を譲ってほしい」という声をいただいて。 服以外のクリエイティブにも興味を持ってくださる方がいるなら、ちゃんと描いたものを届けたいと思い、本格的に描き始めたのがきっかけです。   -昔から絵を描くが好きだったんですか？ 木村：幼稚園の頃から大好きでした。小学校の時に大阪府知事賞をもらったことがあって。 美術の専門的な勉強はしていないんですが、独学だからこそセオリーに縛られず、自由に描けるという面があると思っています。 絵を描くことが自分の創作の原点で、もし絵が好きでなければ今の仕事もしていなかったかもしれないですね。   -手で描くことにこだわっている理由は？ 木村：デザインも手書きから始めるんですけど、手で描くという作業は自分の創作においてすごく重要で。 デジタルだと脳で想像したものがツールを介して綺麗に処理されすぎてしまって、微妙なニュアンスが薄れてしまう気がするんです。手書きのほうが、脳から手への伝達がダイレクトな気がしていて。例えば、服のデザインで柔らかさや質感を出したいとき、線の引き方ひとつに込める思いが、手書きのほうがそのまま出てくる感じがします。   -影響を受けたアーティストはいますか？ 木村：ジェイミー・リードがすごく好きで、シリアルナンバー入りの作品を持ってるくらい。セックス・ピストルズのアートワークで知られている人ですけど、1970年代のパンクスピリットにある、世の中に対する皮肉やジョーク、既成概念を崩すような表現にずっと共感していて。単に綺麗で正しいものよりも、どこかひねりがあったり、一見グロテスクなものをかっこよく見せたりする世界観が好きなんです。 そういうものに触れてきたことが、今の自分の感覚を作っているひとつだと思います。   -作品作りで意識していることはありますか？ 木村：展示では、一人の人間が描いたように見えないことを意識しています。リアルなタッチもあればアニメ調もあって、まるで多重人格者がそれぞれ描いた集合展のような多様性を出したいと思っていて。ただ、全部その時の自分の頭の中から出てきたものなので、集めてみると案外ひとつに繋がっていたりします。 描きたいものを描くというのが一番の基本で、打算的なものが入ると自分が伝えたいものとは違うものができてしまう。自分のスニーカーに落書きするような感覚と基本的には同じです。   -白黒のペンにこだわっている理由は？ 木村：見ている人に自由に想像してほしいから、というのが一番の理由です。 服作りにおける余白を残すという考えと同じで、色をつけてしまうとみる人の想像がそこに誘導されてしまう。モノクロにすることで、見る人それぞれが自分の好きな色を想像して、パーソナルな感覚で受け取ってくれたらいいなと。 自分がアートを見るときも、説明を読む前にまず自分で想像して、その後に背景を調べて答え合わせをするような見方をしているので、自分が作る絵もそうあってほしいという感じですね。...

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